Colage con Tela 2011

Por Isabel Ceballos

Por Tere Bayardo

Por Monica Peralta 

VISITA AL MUSEO DE LAS ARTES DE LA UNIVERSIDAD DE GUADALAJARA.

En esta parte del blog hablaremos sobre la visita que realizamos al Museo de las Artes de la Universidad de Guadalajara, en el cual hay 3 exposiciones actuales.

La primera exposición que vimos es de Francisco Morales llamada “LINEAMIENTOS DE ORIGEN, ESPACIOS INÉDITOS”, que reúne diferentes obras.

La exposición de Francisco Morales cuenta con 2 bloques el primero se hace llamar “OBRA NEGRA” la cual expresa que usa para las construcciones sin termina. En el caso de la obra negra se nos presenta la oportunidad única de acercarnos al alma de la construcción y a la apreciación de la desnudez y esencia de los materiales, en su estado más arcaico. Francisco Morales.

“PANELES BRITANICOS”

Paneles o lares.

La referencia de un patrón universal como el de las telas escocesas (tartans), que originalmente servían para diferenciar a miembros de los clones, nos lleva a planteamientos geométricos como retículas y redes. Éstas parecieron contener formas y volúmenes dispuestos a escapar del cautiverio largamente contenido ante la impavidez del plano horizontal y erguirse como estructuras de presencia propia. En este proceso, su configuración produce ecos mas allá de sus propios bordes mas allá de los lineamientos que determinan si origen. así pues la tridimensionalidad, la volumetría ofrece la posibilidad de participar activamente en el fascinante juego de las perspectivas espaciales, ser cuerpo vacio, formar parte de paneles, tramas, de otro tejidos reservados a los espacios inéditos que responderán a la percepción a la interpretación del hombre y la relación con su entorno.

“EQUAL”

Identidad secreta de JOSUÉ CASTRO.

Explora los sustratos más íntimos de la personalidad humana. Sus modelos intentan transmitir, a través de la máscara, sus identidades secretas. En los retratos de Josué Castro la identidad secreta puede estar oculta para todos, pero también revelan un gran secreto. EQUAL = “Identidades secretas”.

“PASO SIN VER”

De LORENZA ARANGUREN.

Transforma a la pintura en un medio para acercarse, para tentativamente aproximarse a una reflexión de la condición humana en el mundo actual a través del lenguaje contemporáneo del arte. Su pintura no alude, no representa, no alegoriza, sino que sencillamente ve el mundo. Pero un mundo que parece ciego por convicción propia, o al menos no dispuesto a ejercer la suprema responsabilidad, el compromiso, la libertad y la complicidad que implica realmente ver.
Las piezas de paso sin ver constituyen un viaje iniciativo en el que nos invitan a volver a mirar, a contemplar; nos incitan a ir más allá de lo evidente, de los prejuicios, de los visibles paisajes del egoísmo, de la ceguera cotidiana. Francisco Javier Ibarra.

Todo empezó por la imperiosa necesidad que he tenido desde hace 2 años de dejar el color a un lado. Ahora los presento así por circunstancias de la vida tuve que probarme a ellos.

La serie paso sin ver comprende encáusticas sobre tela, fotografías elaboradas en piezógrafos sobre papel de bambú y unos dibujos realizados en hojas de directorio telefónico. Estos dibujos fueron realizados con la ayuda de Nelly, una niña discapacitada del instituto nuevo amanecer de monterrey. Para realizarlos, Lorenza Aranguren tomo la mano casi inutilizada de la niña, con este gesto la artista asistió a Nelly, quien mediante algunos trazos parecía decir. “Aquí estoy...hay gente como yo por todos lados, pon atención...ve mas allá de ti mismo”.

El libro de los hechos de la biblia en bailé también forma parte d esta seria. El público está invitado a tocarlo, a sentirlo, a intentar descifrarlo. A través de este roce, la artista espera que el público se sensibilice respecto a las personas que no pueden ver; anhela que se tome conciencia del realmente ver para que no sigamos pasando sin ver.

Estas exposiciones fueron las que encontramos en el Museo obras muy interesantes y por supuesto de cosas muy sencillas como pueden llegar a hacerse maravillas.

Por: Rocio Padilla 

El muralismo

“Repudiamos la llamada pintura de caballete y todo el arte de los círculos ultraintelectuales, porque es aristocrático y glorificamos la expresión del Arte Monumental, porque es una propiedad Pública”

Nuestro país a gritos clamando por libertad, por democracia, por soluciones y respuestas concretas, justicia, ayuda contra la pobreza, sentido de pertenencia e identidad todo esto conlleva a un sinfín de discusiones, inconformidad del pueblo y falta de atención al mismo.  Provocando así levantamiento en armas y arremeter contra el gobierno.  Nada mas ni nada menos es simplemente la respuesta y la representación a todo este pesar, expresado de una forma sublime a mi punto de vista, vivificador de lazo social ya que expresando la violencia, el senrtir, el vivir de ese momento y sin adentrarse a la e involucrarse en la violencia, demuestra la angustia y la esperanza del pueblo que aun sigue o mas bien seguimos teniendo represalias de todos estos actos de crueldad e injusticia.

En representacion a todo este movimiento podremos encontrar tres grandes artistas que plasmaron la vivencia mexicana de ese entonces y la desesperación enmarcada es tan grande y real que puedes sentir que estas ahí que eres parte de, y eso es mas que nada lo que te atrapa del muralismo, lo que te llena, que eres parte de la lucha, de la búsqueda, del deseo y esperanza de la libertad siempre encarada con escusas, mentiras, traición e injusticias.  Y volviendo a los artistas me refieron a diego rivera, David Siqueiros y  jose clemente Orozco, este ultimo reconocido como ustedes sabran mas que nada por hacer estas hermosas obras de arte dentro de nuestra institución el hospicio cabañas, donde con aquella exelente técnica nos hace envolvernos en las llamas donde aquel hombre esta dentro de ellas en la parte mas alta del lugar.

Diego rivera mas que nada representa lo que viene siendo su tierra, su gente, costumbres y celebraciones, transmite el amor a mexico el calor de la gente, la cultura mestiza mexicana, expresando NACIONALIDAD y respondiendo a la pregunta ¿Qué es ser Mexicano?

Siendo así lugares públicos concurridos por masas de gente, nuestra gente, nuestra sociedad y representacion de nuestra cultura, y no solo expresando lo político si no también como lo toma diego rivera, expresa lo social y educativo e ahí de porque en espacios recreativos que solian ser instituciones y por hoy son museos, escuelas, palacios de gobierno, donde haya el mayor contacto con la gente, creo y pienso yo fue hecho con el afán de sentir siempre orgullo por nosotros mismos como mexicanos, de valorar lo por lo que se lucho y seguir haciéndolo nunca rendirnos y revolucionar siempre con nuestras ideas y acciones.

Por: Lourdes. 

Ismos y su influencia en la moda

Los ismos son una serie de movimientos artísticos que se desarrollaron a principios del siglo XX, fue un cambio de siglo muy importante para la humanidad lleno de conflictos, recesiones y guerras mundiales,  nuevas ideologías que transformarían no solo al mundo entero sino también a las artes como antes las habíamos conocido.

Variadas y diferentes ramas conforman los Ismos, movimientos como el impresionismo de Manet y su liberación expresiva del color, el dadaísmo de Duchamp quien buscaba renovar la expresión mediante la rebeldía y la destrucción, el cubismo de Picasso y su representación de la realidad por medio de la descomposición total del objeto, el surrealismo de Dalí y su búsqueda por descubrir los mecanismos del inconsciente sobrepasando lo real por medio de lo imaginario e irreal, son solo algunos de los representantes de este imponente nuevo redescubrimiento de las artes.

El principal valor fue el de la modernidad, es decir sustituir lo viejo y caduco por lo nuevo, original y con un profundo sentimiento de exaltación del inconsciente, de lo racional, de la libertad, de la pasión y del individualismo.

La influencia de estas corrientes alcanzo a todos los terrenos artísticos, desde la arquitectura, literatura, música, teatro, cine, así como también a la moda, fue Coco Chanel quien revolucionaria este campo antes acaparado por el uso omnipotente de incómodos vestidos; desde el principio todos vieron en ella a una pionera orientada en mantener cánones feministas sin temor a romper esquemas y formulas establecidas.

En 1914, con la Primera Guerra Mundial, creo una ropa caracterizada por la sencillez y la comodidad, con trajes sastres, pantalones y camisas que antes eran solo usados por hombres, en una época en la cual la mujer estaba “atrapada” con el corsé, estas prendas reflejaban la necesidad de una sociedad en la cual la mujer jugaría un rol más activo y significativo. Y ese fue el principal objetivo de Coco Chanel.

Ella como todos los artistas que  representaron esa época de revolución artística tuvieron  un vinculo estrecho entre el ambiente en el que vivían y no conformes con lo que les rodeaba supieron reaccionar ante los viejos temas , carentes de sentidos para sustituirlos por una novedad original que reflejaba el ejercicio de la libertad de expresión para plasmar el mundo interno del nuevo individuo, sin duda son un ejemplo a seguir para las nuevas generaciones ya que su legado es el de creatividad, libertad, audacia e innovación a través de la consciencia social.

Por: Andrea A. Atilano Gallego 

El lado oscuro del romanticismo

McQueen nació en el corazón del popular barrio del East End de Londres en 1970. Benjamín de una familia numerosa -tiene cinco hermanos- su nombre real es Lee, pero él decidió cambiarlo por Alexander, más sonoro, pensando en su futura carrera como modisto.
Fue a un colegio masculino, donde comenzó a dar rienda suelta a su inclinación artística, pues se pasaba el día dibujando ropa de mujer en sus cuadernos escolares. A pesar de que quiso inscribirse en la escuela de arte, acabó trabajando como aprendiz del exclusivo sastre Anderson & Sheppard, de Savile Row, donde aprendió todorespecto a de corte y confección.

De ahí dio el salto a la moda femenina al ponerse a trabajar para los diseñadores Koji Tatsuno y Romeo Gigli en Milan, pero McQueen regresó al poco tiempo a Londres para convertise en profesor de la prestigiosa escuela de moda St. Martins, algo que al final dejó aparcado cuando, vistas sus aptitudes, la dirección del centro le ofreció una beca para realizar un curso de postgrado.

Su trabajo de fin de curso, en 1993, fue presenciado por la cazatalentos Isabella Blow, que adquirió su colección entera y se convirtió en su mecenas y le ayudó a crear su marca.

Al poco tiempo, McQueen empezó a ser considerado la revelación de la escena londinense. Con su colección titulada Highland Rape, el mundo de la moda coronó como rey de la aguja a este enfant terrible, y McQueen obtuvo, en 1996, el galardón al diseñador británico del año.

Unos meses después, McQueen fue fichado por Bernard Arnault, dueño de LVMH, como director creativo de la mítica marca Givenchy. Pero las relaciones entre ambos se deterioraron, pasadas varias temporadas, hasta desembocar en una aguda crisis que terminó en agria ruptura cuando McQueen decidió aliarse con Gucci, el grupo enemigo de LVMH, para relanzar su propia marca.

McQueen se suicida 11 de febrero de 2010, a los 40 años de edad y a punto de presentar su colección de otoño-invierno 2010-2011 en la Semana de la Moda de Londres.

El oscuro romanticismo con el que el modisto británico Alexander McQueen impregnó los diseños que le encumbraron como uno de los grandes de la moda envuelven desde hoy al Museo Metropolitan de Nueva York, que rinde homenaje al diseñador fallecido el año pasado con más de un centenar de sus creaciones.

"Para McQueen el amor era la más exultante de las emociones humanas. La moda le proporcionó un vehículo para expresar el amor de forma conceptual, con sus agonías y sus éxtasis, a veces de forma autobiográfica".

Los diseños de McQueen (1969-2010), "un verdadero romántico, en el sentido 'byroniano' de la palabra", eran según Bolton, "una expresión de los más profundos, en muchas ocasiones oscuros, aspectos de su imaginación".

La inmensa aportación de Alexander McQueen al mundo de la moda se explora en esta muestra a través de más de cien diseños y setenta accesorios que recorren casi dos décadas de creación del artista, desde su primera colección en 1992 como un recién graduado en la escuela de diseño londinense Central Saint Martins, hasta el último desfile que el público tendría que haber visto en marzo de 2010, un mes después de su muerte.

Para componer "Alexander McQueen: Savage Beauty , el comisario de la muestra se inspiró en un tatuaje que tenía el diseñador británico en su brazo derecho con una cita de la obra de Shakespeare "Sueño de una noche de verano" que decía "el amor mira con la mente y no con los ojos".

La elección de ese tatuaje revela que McQueen creía "en el poder del amor de transformar la fealdad en belleza", según Bolton, quien por ese motivo decidió dividir la muestra por temáticas, pero sin olvidar nunca ese "romanticismo oscuro" del diseñador.

Los diseños que se exponen en el Met -muchos de ellos de la propia firma Alexander McQueen de Londres y algunos otros recuperados del Givenchy parisino, donde sucedió como director creativo al polémico John Galliano en 1996- son una muestra de su aportación al mundo de la moda.

Referencias: 

http://www.glitztvla.com/noticia/el-oscuro-romanticismo-alexander-mcqueen-envuelve-al-met-nueva-york

http://www.hola.com/moda/actualidad/2010021112875/especial/alexander-mcqueen/biografia/

http://www.hola.com/biografias/alexander-mcqueen/biografia/

Por: Kevin García. 

El Héroe de México y de ¿La Moda?

Santo, el enmascarado de plata

Nacido el 23 de septiembre de 1917 en Tulancingo hidalgo, emigrando a La Ciudad de México D.F. a mediados de los años 20´s, para un nuevo comienzo con sus padres y hermanos. Su Nombre real es Rodolfo Guzmán Huerta. Dentro de  su cambio de ciudad comienza a despertar su interés por el deporte, La lucha libre dentro de su comienzo en su carrera como luchador profesional no fue hasta 1936, obtiene su primer triunfo en la arena México; con el nombre de Hombre Rojo, Posteriormente no tuvo tanta suerte y dejo EMLL. En la década de los 40´s donde a principios de la década contrae nupcias con María de los Ángeles Rodríguez Montaño, con quien tuvo 10 hijos donde uno de ellos es el sucesor de la leyenda.

Dentro de esta década regresa a EMLL y es ahí donde comienza la leyenda de la lucha libre, de a hi nace el nombre del Santo sin imaginar lo que traería después. Es entonces cuando se confecciona su imagen  que este era al principio humilde y cuya mascara estaba confeccionada con piel de cochino.

Tras varios éxitos y caídas y un proceso de crecimiento se convirtió en Campeón Nacional, Campeón Nacional de Peso Medio, no había nadie quien pudiera derrotarlo.

También esto trajo con él una serie de fama que lo llevo a otro nivel invitado a ser cine, filmando 52 películas, que en su tiempo fueron taquilleras sin abandonar su carrera de luchador. Dentro de las películas hacia el papel de Superhéroe luchando contra criaturas sobre naturales, científicos locos o crimen organizado con un bajo presupuesto del cine.  Dentro de los círculos de Europa fueron consideradas unas de las mejores “joyas” del cine Mexicano. Jamás perdió su máscara ni dentro de una pelea, murió de un infarto el 5 de febrero de 1984 a la edad de 66 años. Su sucesor su hijo “el hijo del Santo “.

Dentro de su fama trajo a un ídolo y un héroe de verdad a México, durante varios años se han hecho varios homenajes al hombre enmascarado de plata como libros, comics, pinturas, máscaras, exposiciones de arte, y así como inspiración de diferentes artistas. Así también la Moda no se podía quedar atrás por darle homenaje a un icono  que hace moda.

El concurso UNIMODA, organizado por UAA dentro del festejo de la Feria de San Marcos  del 2011 organizo en memoria del icono de la lucha libre y en la cinematografía nacional. Se tomó como inspiración Santo, el enmascarado de plata, dando inspiración de su historia a hacer un estilo  y marcar Moda.  Contando con 25 escuelas participantes de todo el país de los cuales seleccionaron los 10 mejores diseños que daban un mejor reflejo del ídolo.  Donde el primer lugar lo obtuvo  Diana Isela Contreras Torres  de la Autónoma de Aguascalientes. Con invitados de juzgados como destacados diseñadores Mexicanos y del Extranjero Gori de palma, Jorge Duque, Santiago Escobar, Francisco Saladañana, Víctor Hernal. Tras el éxito de UNIMODA, sirvió como la plataforma perfecta para los diseñadores jóvenes estudiantes comiencen a involucrarse con el mundo de la moda y el diseño. Donde se expone y  se siente la cultura  y el arte Mexicano. 




Por: Valeria de Luna 

Arte Contemporáneo Iberoamericano

Comienza a surgir entre las ultimas dos décadas del siglo XIX y siglo XX, se desarrolla en los países iberoamericanos (países conquistados por España y Portugal). Este arte se define como la unión de la experiencia española con la americana.

En la arquitectura los máximos representantes son: Oscar Niemeyer (Brasil), Luis Barragán (México) entre otros.

En la pintura: Frida Kahlo y Fernando Botero.

TRISTA 

Compuesta por dos diseñadores mexicanos: José  Alfredo Silva y Giovanni Estrada. Este dúo  ha dado un cambio en la moda de nuestro país ya que el cine,  la literatura y la cultura son fuentes indispensables que sirven de inspiración en sus colecciones.

Es una marca de pret-a-porter  con toques futuristas y minimalistas, por lo tanto Trista se caracteriza por la sensualidad, carácter y fuerte personalidad.

A continuación unas imágenes de su colección ¨El perro de Pavlov¨ que se inspira en la muerte.

 

¨Para crear arte, hay que consumir arte¨ compañeras les recuerdo esta frase y espero que siempre la tengan en mente.

Por: Paulina Martinez